Femme de Design explore le design international de 1900 à nos jours.

Femme de Design explore le design international de 1900 à nos jours.
Femme de Design explore le design international de 1900 à nos jours.
Femme de Design explore le design international de 1900 à nos jours.
Femme de Design explore le design international de 1900 à nos jours.
Femme de Design explore le design international de 1900 à nos jours.
Femme de Design explore le design international de 1900 à nos jours.
Femme de Design explore le design international de 1900 à nos jours.
Femme de Design explore le design international de 1900 à nos jours.
Femme de Design explore le design international de 1900 à nos jours.
Femme de Design explore le design international de 1900 à nos jours.

À propos

Femmes
de Design

Nous sommes soutenues par des artistes, des designers, des fabricants, des producteurs, des penseurs et des personnes comme vous.

Femmes de Design, une initiative du Programme Stewart pour le design moderne en collaboration avec le Musée des beaux-arts de Montréal, apportera une plus grande visibilité aux contributions des femmes designers du monde entier en mettant l'accent sur les sphères croisées du processus, de la fabrication et de la production industrielle.

Ce microsite donne un aperçu du site web en cours de développement. Une exposition en ligne fournira un cadre pour examiner les designs des femmes, en explorant le travail des créateurs de 1900 à nos jours. Le site mettra l'accent sur les créations du XXIe siècle et comprendra une base de données consultable de toutes les œuvres des femmes de la collection Stewart de Montréal, complétée par des entretiens vidéo avec des designers. Rejoignez le projet.

Travail

Portrait

Suzanne
Tick

Cliquez pour lire la vidéo

Suzanne Tick est une artiste, designer et fondatrice de Suzanne Tick Inc. spécialisée dans le design textile, basée à New York et récompensée par de nombreux prix.

Née dans une entreprise familiale de recyclage de quatrième génération à Bloomington, dans l'Illinois, Suzanne Tick a déménagé à New York pour se consacrer au design textile. En 1982, elle a été engagée comme dessinatrice de patrons chez Boris Kroll Fabrics. Sous la direction de Kroll, un des principaux concepteurs et fabricants de textiles reconnu pour ses compétences en matière de métiers à tisser jacquard, Tick a maîtrisé les exigences techniques du tissage pour l'industrie.

En moins de dix ans, elle a commencé à produire des textiles sous contrat pour diverses entreprises, une pratique qu'elle poursuit aujourd'hui. En 1994, Tick s'est lancée dans une association fructueuse de dix-sept ans avec KnollTextiles, en tant que directrice de la création et consultante en design. Toujours dans l’action, elle a fondé Tuva Looms en 1995 en tant que copropriétaire et directrice créative de Knoll. Sa plus récente initiative est Luum Textiles, qu'elle a créé en 2013. Selon Tick, "J'ai lancé le concept de Teknion Textiles, qui s'est développé en changeant de marque pour devenir LUUM. Je voulais créer un nouveau modèle textile utilisant la durabilité et partir de la créativité des fibres".

Tick maintient une pratique de tissage en studio qu'elle juge aussi essentielle à son processus de conception professionnelle qu'à son art. Sa première œuvre publique, une bannière pour Structure and Surface : Contemporary Japanese Textiles (Museum of Modern Art, 1988), était une suspension murale sculpturale incorporant un surplus d'acier inoxydable de la Bridgestone Tire Company qui avait été transformé en fibre par le designer textile japonais Junichi Arai. Fille d'une famille engagée depuis longtemps dans le recyclage, elle a été séduite par le potentiel artistique des produits mis au rebut et a commencé à les inclure de plus en plus fréquemment au fil du temps.

Un exemple majeur de l'importance que Tick accorde au recyclage est Refuse DC (2013), commandé par la Bill and Melinda Gates Foundation pour son siège de Seattle, composé de près de 3 500 cintres de nettoyage à sec qu'elle a tissés en une vaste installation murale sculpturale de 8 pieds sur 13. Un échantillon prototype réalisé en préparation de ce projet se trouve dans la collection Stewart.

Les explorations de Tick sur le mylar ont commencé avec des ballons qui se sont échoués près de sa maison à Fire Island ; elle en a finalement amassé un millier. Tick a nettoyé et trié les ballons en fonction de leur couleur et les a découpés en bandes pour les utiliser avec des supports mixtes dans une série de tentures murales. Pour Tick, les ballons sont emblématiques des événements familiaux importants comme les anniversaires et les mariages, et leur réutilisation dans un cadre séculier ou ecclésiastique lui permet d'honorer ces événements transformateurs, leur redonnant de la valeur pour l'avenir. L'artiste a abordé le thème du recyclage dans son exposé TED 2016, "Tisser les déchets en trésor".

Designers

Les femmes
qui ont changé
le design

  • Portrait de Zaha Hadid par Steve Double ©

    Zaha Hadid, architecte et designer visionnaire est connue pour ses conceptions déconstructivistes révolutionnaires.

    Première femme à recevoir la plus haute distinction en architecture, le Pritzker Prize, elle a été décrite comme ayant "libéré la géométrie architecturale, en lui donnant une toute nouvelle identité expressive". En plus des bâtiments, Hadid a également appliqué son esthétique sculpturale à la conception d'objets, notamment des meubles, des luminaires, des bijoux et bien d'autres choses encore. Née à Bagdad, Hadid s'est installée à Londres en 1972. Elle est d'abord connue pour ses dessins d'architecture qui sont perçus comme trop conceptuels pour être construits. Sa première grande œuvre, le MAXXI 2009, le Musée national d'art du XXIe siècle de Rome, a remis en question les idées d'architecture des musées en proposant des parcours qui se chevauchent et se connectent pour créer une expérience flexible et interactive. Hadid a voulu que le bâtiment soit utilisé "non pas de conteneur d'objets, mais plutôt de campus pour l'art". La renommée a suivi, avec des bâtiments et des objets pionniers qui ont continuellement transformé le concept de design progressif.

  • Photo © Irmela Schreiber, Karlsruhe/ Bauhaus Archive Berlin

    Les designs de Lilly Reich du début du XXe siècle, réalisés en partenariat avec l'architecte Ludwig Mies van der Rohe ainsi qu'en solo, expriment une esthétique moderniste qui semble encore remarquable aujourd'hui.

    Elle a commencé à collaborer avec Mies en 1927 sur ses projets, pour finalement s'impliquer personnellement et professionnellement. Après que Mies soit devenu directeur du Bauhaus, Reich a dirigé son atelier de tissage et son atelier de décoration intérieure. Son esthétique minimaliste, ainsi que sa précision, ont été des éléments essentiels des projets qui sont souvent attribués à Mies seul. Reich a maintenu son propre atelier, même en collaborant avec Mies. En 1912, elle rejoint l'influente organisation réformiste Deutscher Werkbund, où elle conçoit des expositions destinées à améliorer l'Allemagne grâce à un bon design. En 1920, Reich devient la première femme à siéger à leur conseil d'administration. Bien que ses créations aient porté sur des intérieurs, des vitrines, des meubles et des vêtements réformistes, ce sont ses installations d'exposition qui apparaissent aujourd'hui d'une contemporanéité choquante. Elle présentait souvent des produits en plusieurs exemplaires, créant un visuel graphique puissant qui reflétait la production industrielle. Pionnière du design moderne, Lilly Reich est restée fidèle aux principes de fonctionnalité et de simplicité tout au long de sa carrière.

  • Photo de Noah Kalina

    La philosophie de conception révolutionnaire de l'architecte, concepteur et inventeur Neri Oxman vise à réunir les environnements bâtis, naturels et biologiques en une seule écologie matérielle.

    Opérant à l'intersection du design, de la biologie et de la technologie, elle utilise des technologies de pointe pour interagir avec le monde naturel. Oxman envisage "une nouvelle ère du design... qui nous fait passer d'un design inspiré de la nature à une nature inspirée du design". Née en Israël, elle a obtenu un diplôme de l'Architectural Association de Londres et un doctorat en calcul de design du MIT. En 2010, elle a fondé le Mediated Matter Group du MIT Media Lab. Son équipe interdisciplinaire mène des recherches qui fusionnent la conception informatique, la fabrication numérique, la science des matériaux et la biologie synthétique pour concevoir avec la nature. Son célèbre Pavillon de la soie, une structure architecturale à l'échelle créée par des humains, des robots et 6 500 vers à soie vivants, témoigne d'une extraordinaire fusion entre la technologie et la biologie. "Il est devenu de plus en plus difficile de faire la différence entre ce qui a été créé par l'homme et ce qui a été créé par la nature", dit-elle. "Dans mon groupe... nous ne construirons pas nos produits et notre architecture, mais nous allons plutôt les cultiver".

  • Photo de John Madere

    Caractérisé par une utilisation ludique et éclectique de la typographie, l'ouvrage primé de Paul Scher a non seulement façonné le domaine du graphisme, mais est également devenu une partie de la culture populaire.

    Paula Scher a créé des identités graphiques emblématiques pour une liste impressionnante de clients, dont la Citibank, Microsoft et le Public Theater de New York. Formée à la Tyler School of Art, elle a commencé sa carrière en concevant des pochettes d'album chez CBS Records dans les années 1970. Scher a été la première femme à devenir partenaire du bureau new-yorkais de Pentagram, le studio de design multidisciplinaire où elle travaille depuis 1991. Ses créations innovantes et pleines d'esprit combinent la culture dominante et son amour de toujours pour la typographie. Scher a décrit comment son vocabulaire visuel s'appuie sur la typographie pour communiquer le concept : "Une fois que j'ai commencé à voir la typographie comme quelque chose qui a de l'esprit et de l'émotion, je pouvais vraiment la manipuler". Son objectif a été de "faire des choses auxquelles le public pourrait s'identifier et qu'il pourrait comprendre". L'œuvre primée de Scher, qui a révolutionné la conception graphique, a été exposée dans le monde entier et est représentée dans de nombreuses collections de musées.

  • Photo © Markus Jans

    La designer industrielle néerlandaise Hella Jongerius est connue pour sa capacité à associer de manière créative l'artisanat à la production industrielle.

    En adaptant un objet artisanal pour la production, Jongerius conserve délibérément les caractéristiques du fait main. "Un bon design ne signifie pas toujours la perfection", affirme-t-elle. "Parfois, ce sont les défauts apparents, les bizarreries et les individualités que nous apprécions le plus dans un produit... souvent, ce sont les marques des fabricants - des signes de fabrication par des mains humaines attentives et habiles." Le nom de son studio, Jongeriuslab, reflète son approche expérimentale du design. Son souci de l'innovation dans tous les aspects du design, ainsi que sa sensibilité à la conception à l'échelle humaine, sont les éléments clés de son approche pionnière du design. Après avoir étudié le design industriel à la Design Academy d'Eindhoven, Jongerius a travaillé sur des projets avec le collectif néerlandais Droog avant de fonder Jongeriuslab en 1993. En plus de ses projets de design indépendants, Jongerius a conçu des textiles, des céramiques et des meubles en partenariat avec des fabricants qui lui donnent la liberté d'innover.

Chronologie

Cette sélection de femmes designers dans la collection Stewart est organisée par décennie.

Mission

Femmes
de Design

Le monde du design industriel est historiquement du ressort des hommes, et le monde des objets pour la maison semble avoir été divisé entre créateurs masculins et consommatrices féminines.

Les femmes sont des artisanes depuis des temps immémoriaux, qu'il s'agisse de tisser des paniers et des tissus, ou de fabriquer des poteries ou des bijoux. Cependant, la reconnaissance du canon occidental a été lente, jusqu'à ce qu'une combinaison de changements sociétaux et d'érudition au cours des cinquante dernières années commence à inverser cette tendance. Les œuvres d'artistes et de designers du XXe siècle, tels qu'Eileen Gray et Ray Eames, sont aujourd'hui exposées dans des musées, des catalogues et sur le marché, mais leur présence est encore bien faible par rapport à celle des hommes. Qu'elles soient considérées dans une perspective nationale ou mondiale, les femmes sont confrontées à un écart persistant entre les sexes dans le domaine des arts. La reconnaissance, l'avancement et la rémunération sont toujours à la traîne par rapport aux hommes, et les femmes de couleur sont celles qui travaillent le plus dur dans leur lutte pour être acceptées et reconnues. 

Femmes de Design explorera les contributions des femmes de 1900 à nos jours avec des œuvres tirées du Musée des beaux-arts de Montréal et de la collection Stewart de design moderne. L'équipe internationale d'éminents conservateurs comprend Jeannine Falino, Pat Kirkham, Jennifer Laurent et Penny Sparke.

Rejoignez-nous

Rejoindre
le
projet

Joignez-vous à nous pour développer le projet Femmes de Design. Veuillez envisager de faire un don pour soutenir cette célébration mondiale de designs par des femmes. Rejoignez l'équipe d'artistes, de designers, de fabricants, de producteurs, de penseurs et de personnes comme vous. Veuillez contacter Angéline Dazé adaze@stewartprogram.org pour vous impliquer.